Come la creatività è diventata il valore dominante del nostro tempo

In “Il culto della creatività”, Samuel Franklin scava nella storia sorprendentemente recente di un’idea, un ideale e un’ideologia.

Gli americani non sono molto d’accordo al giorno d’oggi. Tuttavia, anche in un momento in cui la realtà del consenso sembra essere sull’orlo del collasso, rimane almeno un valore moderno per eccellenza che tutti possiamo ancora sostenere: la creatività.

La insegniamo, la misuriamo, la invidiamo, la coltiviamo e ci preoccupiamo della sua morte incessantemente. E perché non dovremmo? Alla maggior parte di noi viene insegnato fin da piccoli che la creatività è la chiave di tutto, dalla ricerca della realizzazione personale al successo professionale, fino alla soluzione dei problemi più spinosi del mondo. Nel corso degli anni, abbiamo costruito industrie creative, spazi creativi e città creative e li abbiamo popolati con un’intera classe di persone conosciute semplicemente come “creativi”. Ogni anno leggiamo migliaia di libri e articoli che ci insegnano a liberare, sbloccare, promuovere, potenziare e hackerare la nostra creatività personale. Poi leggiamo ancora di più per imparare a gestire e proteggere questa preziosa risorsa.

Per quanto ci ossessiona, il concetto di creatività può sembrare qualcosa che è sempre esistito, su cui filosofi e artisti hanno riflettuto e discusso nel corso dei secoli. Sebbene sia un’ipotesi ragionevole, si rivela molto sbagliata. Come spiega Samuel Franklin nel suo recente libro “Il culto della creatività”, il primo uso scritto conosciuto della creatività è avvenuto solo nel 1875, “rendendola un neonato per quanto riguarda le parole”. Inoltre, scrive, prima del 1950 circa, “non esistevano articoli, libri, saggi, trattati, odi, lezioni, voci di enciclopedia o qualsiasi altra cosa del genere che trattasse esplicitamente il tema della “creatività””.

Ciò solleva alcune ovvie domande. Come siamo passati dal non parlare mai di creatività al parlarne sempre? Che cosa distingue, se c’è qualcosa, la creatività da altre parole più antiche, come ingegno, intelligenza, immaginazione e abilità artistica? Forse la più importante: come hanno fatto tutti, dagli insegnanti di scuola materna ai sindaci, agli amministratori delegati, ai designer, agli ingegneri, agli attivisti e agli artisti affamati, a credere che la creatività non sia solo un bene – a livello personale, sociale, economico – ma la risposta a tutti i problemi della vita?

Per fortuna, nel suo libro Franklin offre alcune potenziali risposte. Storico e ricercatore di design presso la Delft University of Technology nei Paesi Bassi, sostiene che il concetto di creatività, così come lo conosciamo oggi, è emerso in America nel secondo dopoguerra come una sorta di balsamo culturale, un modo per alleviare le tensioni e le ansie causate dal crescente conformismo, dalla burocrazia e dalla suburbanizzazione.

“Tipicamente definita come una sorta di tratto o processo vagamente associato ad artisti e geni, ma teoricamente posseduto da chiunque e applicabile a qualsiasi campo, [la creatività] ha fornito un modo per liberare l’individualismo all’interno dell’ordine”, scrive l’autore, “e far rivivere lo spirito dell’inventore solitario all’interno del labirinto dell’azienda moderna”.

Ho parlato con Franklin del perché continuiamo a essere così affascinati dalla creatività, di come la Silicon Valley ne sia diventata il presunto epicentro e del ruolo che tecnologie come l’intelligenza artificiale potrebbero avere nel ridisegnare il nostro rapporto con essa.

Sono curioso di sapere qual è stato il suo rapporto personale con la creatività quando è cresciuto. Cosa l’ha spinta a scrivere un libro su questo tema?

Come molti bambini, sono cresciuto pensando che la creatività fosse una cosa intrinsecamente buona. Per me – e immagino per molte altre persone che, come me, non erano particolarmente atletiche o brave in matematica e scienze – essere creativi significava almeno avere un futuro in questo mondo, anche se non era chiaro cosa avrebbe comportato quel futuro. Quando sono arrivato all’università e oltre, la saggezza convenzionale tra i pensatori del registro TED Talk – persone come Daniel Pink e Richard Florida – era che la creatività era in realtà la caratteristica più importante da avere per il futuro. In sostanza, le persone creative avrebbero ereditato la Terra e la società ne aveva un disperato bisogno se volevamo risolvere tutti i problemi del mondo.

Da un lato, essendo una persona che ama considerarsi creativa, era difficile non esserne lusingati. D’altra parte, mi è sembrato tutto esagerato. Quello che veniva venduto come il trionfo della classe creativa non si traduceva in realtà in un ordine mondiale più inclusivo o creativo. Inoltre, alcuni dei valori incorporati in quello che chiamo il culto della creatività mi sono sembrati sempre più problematici: in particolare, l’attenzione alla realizzazione personale, a fare ciò che si ama e a seguire la propria passione. Non fraintendetemi: è una visione bellissima e l’ho vista funzionare per alcune persone. Ma ho anche iniziato a pensare che fosse solo una copertura per quello che, dal punto di vista economico, era una situazione piuttosto negativa per molte persone.

Al giorno d’oggi, è abbastanza comune criticare l’idea di “seguire la propria passione”, “la cultura della fuga”. Ma quando ho iniziato questo progetto, l’idea del “muoviti e rompi le cose”, del “disruptive”, dell’economia dell’innovazione, era pressoché indiscussa. In un certo senso, l’idea del libro è nata dalla consapevolezza che la creatività stava svolgendo un ruolo davvero interessante nel collegare due mondi: quello dell’innovazione e dell’imprenditorialità e questo lato della nostra cultura, più spirituale e bohémien. Volevo capire meglio la storia di questo rapporto.

Quando ha iniziato a pensare alla creatività come a una sorta di culto di cui tutti facciamo parte?

Simile a qualcosa come il “culto della domesticità”, era un modo per descrivere un momento storico in cui un’idea o un sistema di valori raggiunge una sorta di accettazione ampia e acritica. Mi sono accorto che tutti vendevano prodotti basati sull’idea che aumentassero la creatività, sia che si trattasse di una nuova disposizione dell’ufficio, di un nuovo tipo di design urbano o del tipo “Prova questi cinque semplici trucchi”.

Si comincia a capire che nessuno si preoccupa di chiedere: “Ehi, perché abbiamo tutti bisogno di essere creativi? Che cos’è questa cosa, la creatività?”. Era diventato un valore ineccepibile che nessuno, indipendentemente dal lato dello spettro politico in cui si trovava, avrebbe mai pensato di mettere in discussione. Per me questo era davvero insolito e credo che segnalasse che stava accadendo qualcosa di interessante.

Il suo libro evidenzia gli sforzi compiuti a metà del secolo scorso dagli psicologi per trasformare la creatività in un tratto mentale quantificabile e la “persona creativa” in un tipo identificabile. Come è andata a finire?

La risposta breve è: non molto bene. Per studiare qualsiasi cosa, è ovviamente necessario essere d’accordo su ciò che si sta osservando. In definitiva, credo che questi gruppi di psicologi siano stati frustrati nei loro tentativi di trovare criteri scientifici che definissero una persona creativa. Una tecnica consisteva nel trovare persone già eminenti in campi ritenuti creativi – scrittori come Truman Capote e Norman Mailer, architetti come Louis Kahn e Eero Saarinen – e sottoporle a una serie di test cognitivi e psicoanalitici per poi scriverne i risultati. Questo è stato fatto per lo più da un’organizzazione chiamata Institute of Personality Assessment and Research (IPAR) di Berkeley. Frank Barron e Don MacKinnon erano i due principali ricercatori di quel gruppo.

Un altro modo in cui gli psicologi hanno affrontato la questione è stato quello di dire: “Va bene, questo non sarà pratico per trovare un buon standard scientifico. Abbiamo bisogno di numeri e di molte persone che certifichino questi criteri creativi. Questo gruppo di psicologi teorizzò che una cosa chiamata “pensiero divergente” fosse una componente importante della realizzazione creativa. Avete mai sentito parlare del test del mattone, in cui vi viene chiesto di trovare molti usi creativi per un mattone in un determinato periodo di tempo? Una versione di questo test è stata somministrata a ufficiali dell’esercito, a scolari, a ingegneri della General Electric, a persone di ogni tipo. Sono test come questi che alla fine sono diventati la rappresentazione di ciò che significa essere “creativi”.

Vengono ancora utilizzati?

Quando si parla di AI che rendono le persone più creative, o che sono effettivamente più creative degli esseri umani, i test su cui si basa questa affermazione sono quasi sempre una versione di un test di pensiero divergente. È molto problematico per una serie di ragioni. Il principale è che non è mai stato dimostrato che questi test abbiano un valore predittivo: in altre parole, un bambino di terza elementare, un ventunenne o un trentacinquenne che ottiene ottimi risultati nei test di pensiero divergente non sembra avere maggiori probabilità di avere successo nelle attività creative. Lo scopo dello sviluppo di questi test è stato quello di identificare e prevedere le persone creative. Nessuno di essi ha dimostrato di poterlo fare.

Leggendo il suo libro, sono rimasto colpito da quanto vago e, a volte, contraddittorio fosse il concetto di “creatività” fin dall’inizio. Lei lo definisce “una caratteristica, non un difetto”. In che senso?

Chiedete a qualsiasi esperto di creatività cosa intendano per “creatività” e vi diranno che è la capacità di generare qualcosa di nuovo e utile. Quel qualcosa può essere un’idea, un prodotto, un documento accademico, qualsiasi cosa. Ma l’attenzione alla novità è rimasta un aspetto della creatività fin dall’inizio. È anche ciò che la distingue da altre parole simili, come immaginazione o intelligenza. Ma lei ha ragione: la creatività è un concetto abbastanza flessibile da essere usato in tutti i modi e da significare ogni sorta di cose, molte delle quali contraddittorie. Credo di aver scritto nel libro che il termine può non essere preciso, ma che è vago in modi precisi e significativi. Può essere sia ludico che pratico, artistico e tecnologico, eccezionale e pedestre. Questa era e rimane una parte importante del suo fascino.

La domanda “Le macchine possono essere ‘veramente creative’?” non è così interessante, ma la domanda “Possono essere sagge, oneste, premurose?” è più importante se vogliamo accogliere [l’IA] nelle nostre vite come consulenti e assistenti.

L’enfasi sulla novità e sull’utilità fa parte del motivo per cui la Silicon Valley ama considerarsi il nuovo polo della creatività?

Assolutamente sì. I due criteri vanno di pari passo. In ambienti tecno-soluzionistici e ipercapitalistici come la Silicon Valley, la novità non è buona se non è utile (o almeno vendibile), e l’utilità non è buona (o vendibile) se non è anche nuova. Ecco perché spesso ignorano cose noiose ma importanti come l’artigianato, le infrastrutture, la manutenzione e il miglioramento incrementale, e perché sostengono l’arte – che tradizionalmente è definita dalla sua resistenza all’utilità – solo nella misura in cui è utile come ispirazione per le tecnologie pratiche.

Allo stesso tempo, la Silicon Valley ama avvolgersi nella parola “creatività” per le sue connotazioni artistiche e individualiste. Ha cercato consapevolmente di allontanarsi dall’immagine dell’ingegnere abbottonato che lavora in un grande laboratorio di ricerca e sviluppo di un’azienda manifatturiera di mattoni e mattoni e ha invece sollevato l’idea di un tipo di controcultura ribelle che armeggia in un garage per creare prodotti ed esperienze senza peso. Credo che questo l’abbia salvata da molti controlli pubblici.

Fino a poco tempo fa, tendevamo a pensare alla creatività come a una caratteristica umana, forse con qualche eccezione dal resto del mondo animale. L’intelligenza artificiale sta cambiando le cose?

Quando negli anni ’50 si iniziò a definire la creatività, era già in atto la minaccia dell’automazione del lavoro impiegatizio da parte dei computer. In pratica si diceva: “Ok, il pensiero razionale e analitico non è più solo nostro. Cosa possiamo fare che i computer non potranno mai fare? Il presupposto era che solo gli esseri umani potessero essere “veramente creativi”. Per molto tempo, i computer non hanno fatto molto per mettere in discussione il significato di questo concetto. Ora stanno facendo pressione sulla questione. Possono fare arte e poesia? Sì. Possono generare prodotti innovativi che abbiano anche un senso o funzionino? Certo.

Credo che sia una scelta voluta. I tipi di LLM che le aziende della Silicon Valley hanno proposto hanno lo scopo di apparire “creativi” in questi sensi convenzionali. Ora, se i loro prodotti siano o meno significativi o saggi in un senso più profondo, questa è un’altra questione. Se parliamo di arte, credo che l’incarnazione sia un elemento importante. Le terminazioni nervose, gli ormoni, gli istinti sociali, la moralità, l’onestà intellettuale: non sono cose essenziali per la “creatività”, ma sono essenziali per mettere al mondo cose buone, e forse anche belle in un certo senso antiquato. Ecco perché penso che la domanda “Le macchine possono essere ‘veramente creative’?” non sia così interessante, ma la domanda “Possono essere sagge, oneste, premurose?” è più importante se vogliamo accoglierle nella nostra vita come consiglieri e assistenti.

Questa intervista si basa su due conversazioni ed è stata modificata e condensata per chiarezza.

Bryan Gardiner è uno scrittore di Oakland, California.